El debate sobre el lugar del artista en la historia posterior a 1970, tranquilo desde que se hicieron acusaciones en su contra en 2017, seguramente cobrará fuerza.
DAVID D'ARCY / Art News paper / Agosto 26, 2021 / Fuente externa / OCANews
https://www.theartnewspaper.com/news/chuck-close-artist-of-monumental-pictures-and-a-monumental-fall-dies-at-81
https://www.ossayecasadearte.com/post/chuck-close-artista-de-cuadros-monumentales-y-una-ca%C3%ADda-monumental-muere-a-los-81-a%C3%B1os
Chuck Close hizo retratos de tamaño monstruoso y detalles desconcertantes a quemarropa. Murió en un hospital de Long Island por insuficiencia cardíaca congestiva a la edad de 81 años.
Close construyó un estilo y un mercado global con pinturas y fotografías de sus amigos y contemporáneos, el compositor Philip Glass, los artistas compañeros Cindy Sherman, Mark Greenwold y Lucas Samaras, primero en imágenes fotorrealistas (una descripción que rechazó) que aportaron lo que él llamaba mirada de "Brobdingnagian" a cualquiera que accediera a sentarse en su lugar. Las fosas nasales gigantescas pueden no haber sido encantadoras, pero la gente las miraba; "De cerca" era tan apropiado como cualquier otra descripción.
“No tenía idea de que todavía estaría pintando cabezas hoy. A lo largo de los años, nada me interesó tanto como la gente ", le dijo a Terry Gross de NPR en 2004.
Más tarde llegó un acercamiento a la pintura, también a una escala colosal, en la que las obras revelaron sus sujetos, así como un proceso de construcción de retratos masivos con diminutos nódulos irregulares de color y forma. Los elementos constitutivos de Close le dieron a su trabajo una sensación más testaruda que los puntos de los cómics en tonos pastel de las pinturas pop de Roy Lichtenstein. Si Warhol y compañía hicieron retratos encogiéndose de hombros, Close los hizo con una base calculada.
La mayoría de las veces, el artista de rostro severo, calvo y barbudo antes de los 40, también era su propio tema, con una mirada sin parpadear. Su trabajo estaba en todas partes, desde Tokio hasta la Tate y el metro de la ciudad de Nueva York, lo que era aún más notable porque un derrame cerebral en 1988 dejó a Close tetrapléjico. Con la terapia intensiva, pudo volver a pintar con un pincel atado a una mano. Más tarde pasó a los daguerrotipos, bromeando diciendo que la técnica anticuada era todo menos anticuada.
En un mundo obsesionado con la belleza y las posturas, Close en su silla de ruedas era un habitual en inauguraciones y eventos sociales en Nueva York. En un medio difamado por su superficialidad, el trabajo de Close y Close tenían una dureza poco común.
Entonces, lo más impactante fueron las revelaciones en 2017 de que Close se había acosado a mujeres que buscaban modelar para los daguerrotipos de sus últimos años. Los acusadores dijeron que hizo comentarios lascivos después de pedirles que se desnudaran. Algunos cargos se remontan a una década antes.
En una declaración de 2017, Close, que se divorció dos veces, ofreció una disculpa, negaciones y una explicación: "Como tetrapléjico, trato de vivir una vida completa y plena en la medida de lo posible", dijo. "Pero dadas mis limitaciones físicas extremas, he descubierto que la franqueza absoluta es la única forma de tener una vida personal".
El pintor que construyó seguidores y mercado para el retrato desapareció de la vida pública. La Galería Nacional de Arte en Washington, DC, canceló una retrospectiva que debía haber sido un saludo de por vida del "museo de la nación". La Universidad de Seattle, en el estado natal del artista, Washington, eliminó un autorretrato de Close que se exhibía en su biblioteca.
Cuando murió, Close, quien reveló en una entrevista para Archives of American Art del Smithsonian que le habían diagnosticado demencia frontotemporal, era casi invisible.
Un pilar de Pace Gallery, que todavía lo incluye entre sus artistas, Close nació en Monroe, Washington en 1940. Su madre era pianista, su padre un plomero que murió joven. Un estudiante mediocre con dislexia, era mejor en arte que cualquier otra cosa. “Todo en mi vida es producto de mis problemas de aprendizaje”, dijo. Close pasó la universidad y luego a Yale, donde Richard Serra, Brice Marden, Jennifer Bartlett y Robert Mangold eran compañeros de clase. Luego enseñó en la Universidad de Massachusetts en Amherst, antes de mudarse a Nueva York en 1967. El Walker Art Center le dio su primera retrospectiva en 1979. The Whitney siguió en 1981, MoMA en 1998.
En una entrevista con The Art Newspaper antes de su retrospectiva de 1998 en el Museo de Arte Moderno (originalmente planeada para el Museo Metropolitano de Arte), Close reflexionó sobre cómo encontrar su camino y refinar su enfoque del retrato:
“He hecho una serie de cosas para aislarme de los fuertes vientos del cambio en el mundo del arte. Al tener que seguir mi propio camino extraño y excéntrico, los cambios catastróficos del mar no me afectaron mucho, pero sentí la necesidad de reconectar con lo que hago al tratar de restablecer la urgencia. Siempre pensé que la resolución de problemas estaba muy sobrevalorada, que lo más importante era la creación de problemas, ¿cómo te colocas en una posición interesante al hacerte una pregunta que nadie está preguntando, y dado que las soluciones de nadie más son aplicables, es más probable que llegue a una solución personal. Si acepta el problema del momento, es muy probable que su solución sea normal. Así fue como me metí en el retrato en primer lugar ...
En 1967, la pintura estaba muerta, una vez más. Ha estado muerto tantas veces en mi carrera que no puedo creerlo. Pero claro, creo que los tiempos en los que la pintura está muerta son absolutamente los mejores para hacer pinturas ...
Como dicen los japoneses, esté preparado para la recuperación. No querrás subirte al tren después de que todos los demás se den cuenta de que esto es lo que hay que hacer. La figuración estaba totalmente fuera de discusión. La escultura reinó a fines de la década de 1960. Y recuerdo que Clement Greenberg dijo que de todas las cosas que ya no se podían hacer en el arte, el retrato estaba en la parte superior de la lista. Y supongo que eso es lo que me afectó; el hecho de que alguien declare algo tan arruinado, tan desesperadamente perdido, tan patéticamente fuera de él, que sólo un tonto intentaría darle nueva vida. Eso debe haberme atraído. Pensé que Greenberg fue una influencia horrible en el arte, aunque sigo siendo un formalista incondicional ".
El debate sobre el lugar de Close en la historia del arte posterior a 1970, tranquilo desde que se hicieron las acusaciones en su contra, seguramente cobrará fuerza con su muerte. Y Close no ha desaparecido del todo. Una muestra de las obras de Close en la Gary Tatintsian Gallery de Moscú (con la cooperación de Pace Gallery) estará abierta hasta el 25 de septiembre.
Chuck Close, artist of monumental pictures and a monumental fall, dies at 81
The debate over the artist's place in post-1970 history, quiet since allegations against him were made in 2017, is sure to gather steam
DAVID D'ARCY / Art News paper / Agosto 26, 2021 / Fuente externa / OCANews
Chuck Close standing next to his Big Self-Portrait (1967–68), acrylic on gessoed canvas Chuck Close made portraits of monstrous size and unnerving detail at point-blank range. He died in a hospital on Long Island from congestive heart failure at the age of 81. Close built a style and a global market with paintings and photographs of his friends and contemporaries — the composer Philip Glass, fellow artists Cindy Sherman, Mark Greenwold and Lucas Samaras — first in photo realist pictures (a description that he rejected) which brought what he called a “Brobdingnagian” look to anyone who agreed to sit for him. Gargantuan nostrils may not have been charming, but people looked at them; “Up Close” was as apt as any other description.
“I had no idea that I would still be painting heads today. Over the years, nothing interested me as much as people,” he told NPR’s Terry Gross in 2004. Chuck Close working on the portrait Keith (1970) in his New York studio Later came an approach to painting, also on a colossal scale, in which works revealed their subjects as well as a process for constructing massive portraits with tiny irregular modules of colour and form. Close’s constitutive elements gave his work a more hard-headed feel than the pastel-shaded comic-book dots of Pop paintings by Roy Lichtenstein. If Warhol and company made portraits with a shrug, Close made them with a calculated underpinning.
More often than not, the stern-faced artist, bald and bearded before 40, was also his own subject, with an unblinking stare. His work was everywhere, from Tokyo to the Tate to the New York City subway, all the more remarkable because a stroke in 1988 left Close a quadriplegic. With intensive therapy, he was able to paint again with a brush strapped to one hand. He later moved to daguerreotypes, joking that the antiquated technique was anything but outmoded. Chuck Close working on Janet (1989) with a paintbrush strapped to his arm In a world obsessed with beauty and posturing, Close in his wheelchair was a regular at openings and social events in New York. In a milieu maligned for its superficiality, Close’s work, and Close, had a rare toughness. All the more jolting, then, were the revelations in 2017 that Close had harassed women who sought to model for the daguerreotypes of his later years. Accusers said he made lewd comments after requiring them to strip naked. Some charges dated back to a decade earlier.
In a statement from 2017, the twice-divorced Close offered an apology, denials, and an explanation: “As a quadriplegic, I try to live a complete, full life to the extent possible,” he said. “But given my extreme physical limitations, I have found that utter frankness is the only way to have a personal life.” The painter who built a following and market for portraiture disappeared from public life. The National Gallery of Art in Washington, DC, cancelled a retrospective that was to have been a lifetime salute from “the nation’s museum”. Seattle University, in the artist’s home state of Washington, removed a Close self-portrait on display in its library. When he died, Close, who revealed in an interview for the Smithsonian’s Archives of American Art that he had been diagnosed with frontotemporal dementia, was close to invisible.
A mainstay of Pace Gallery, which still lists him among its artists, Close was born in Monroe, Washington in 1940. His mother was a pianist, his father a plumber who died young. A lackluster student with dyslexia, he was better at art than anything else. “Everything in my life is a product of my learning disabilities,” he said. Close made it through college and then to Yale, where Richard Serra, Brice Marden, Jennifer Bartlett and Robert Mangold were classmates. He then taught at the University of Massachusetts in Amherst, before moving to New York in 1967. The Walker Art Center gave him his first retrospective in 1979. The Whitney followed in 1981, MoMA in 1998. Chuck Close working on Self-Portriat (2000-2001) In an interview with The Art Newspaper before his 1998 retrospective at the Museum of Modern Art (originally planned for the Metropolitan Museum of Art), Close reflected on finding his way and refining his approach to portraiture: “I’ve done a number of things to isolate myself from the buffeting winds of change in the art world. By having my own odd eccentric path to follow, the cataclysmic sea changes didn’t affect me very much, but I did feel the need to reconnect myself with what I do by trying to re-establish urgency. I always thought that problem-solving was greatly overrated, that the most important thing was problem-creation, how do you put yourself in an interesting position by asking yourself a question that no one else is asking, and because no one else’s solutions are applicable, you’re more likely to arrive at a personal solution. If you accept the problem of the moment, your solution is very likely going to be ordinary. That’s how I got into portraiture in the first place…
In 1967, painting was dead, yet again. It’s been dead so many times in my career I can’t believe it. But of course, I think that the times when painting is dead are absolutely the best times to make paintings…
As the Japanese say, be poised for the recovery. You don’t want to jump on the bandwagon after everyone else realises that this is the thing to be doing. Figuration was totally out of the question. Sculpture ruled in the late 1960s. And I remember Clement Greenberg said that of all the things that couldn’t be done in art any more, the portrait was at the top of the list. And I guess that’s what got to me; the fact of someone declaring something so bankrupt, so hopelessly lost, so pathetically out of it, that only a fool would attempt to breathe new life into it. That must have appealed to me. I thought that Greenberg was a horrible influence on art, although I remain a dyed-in-the-wool formalist.”
The debate over Close’s place in post-1970 art history, quiet since allegations against him were made, is sure to gather steam with his death. And Close has not disappeared altogether. A show of Close’s works at the Gary Tatintsian Gallery in Moscow (with the cooperation of Pace Gallery) runs through 25 September.
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